viernes, 30 de abril de 2010

Mayte Alonso Acebes

Mayte Alonso vive y trabaja en Madrid donde completó sus estudios de Bellas Artes en 1995. Desde entonces ha participado en numerosos encuentros y talleres de artistas en distintas ciudades entre los que destaca el Taller de Escultura de Martín Chirino en la Fundación Marcelino Botín en Santander, el Seminario de Arte y Nuevas Tecnologías en el CGAC de Santiago o el Simposium Internacional de Escultura en Kyongi, Corea del Sur. En los últimos años ha disfrutado de las Becas de Roma, París y la Casa de Velázquez y su trabajo ha obtenido varios premios.
Podría decirse que su obra indaga en el significado de las imágenes del acervo de nuestra memoria. Utiliza la arquitectura como expresión de la existencia y la fotografía para presentar la arquitectura a modo de palimpsesto. Su objetivo principal es bucear en la conciencia del espectador para transmitirle una emoción compartida en la contemplación.


Exposiciones individuales

1998.
Café del Prado, Red de Arte Joven de la CAM, Madrid
Centro Puerta Bonita, Red de Arte Joven de la CAM, Madrid
Museo Tiflológico, ONCE, Red de Arte Joven de la CAM, Madrid

2001.
ARCO 01, Madrid
"El objeto reflejado", Galería Raquel Ponce, Madrid

2003.
"Escenografías de la memoria", Galería Raquel Ponce, Madrid






















2005 "Arquitectura latente", Galería Travesía Cuatro, Madrid














2010.
"Caligrafías del espacio", Museo Barjola, Gijón, Asturias



Exposiciones colectivas

1997.
Exposición Totaje primer Día, El Taller, Madrid

1999.
"La Forja en Villa Iris. II taller de escultura", Fundación Marcelino Botín, Santander, Cantabria
Segundo Salón Refractario, Galería Buades, Madrid

2001.
Generación 201, Caja Madrid (itinerante)
"Viatge i diferència", Olot, Gerona
Symposium of Spanish Sculptors in Kyonggi, Corea del Sur
"Miradas, una secuencia fragmentada", Sala Martín Chirino, San Sebastián de los Reyes, Madrid
"Je mange la cuisine", Cité Universitaire Internationale, París, Francia

2002.
"La forja en Villa Iris", Alicante
Acción Renacimiento Año 0", frente al Museo Nacional de Arte Contemporáneo Reina Sofía, Madrid
"Homenaje a Martín Chirino", El Taller, Madrid
"Con otros ojos", Tercera exposición de arte del Festival Internacional de Benicassim, Castellón
"Férreas voluntades", Galería Raquel Ponce, Madrid
"20 de mil", Sala de Plaza de España de la CAM, Madrid (itinerante)
Centro Cultural La Vidriera, Camargo, Cantabria
"En torno a Martín Chirino", Galería Atlántica Centro de Arte, La Coruña

2007.
Escultura: Arte y pasión, Centro de Escultura de Candás, Museo Antón, Candás, Asturias

2008.
"Arte y pasión", Fundación Artsur, Madrid



Obras Públicas
Escultura, Parque Español de Kwanju, Kyonggi, Corea del Sur
Lugar de encuentro, 2005, parque del bario Campo de Tiro, Leganés, Madrid
Arcos transitables, 2007, Parques de los Charcones, Paseo del Alparrache, Navalcarnero, Madrid

Construcción para un encuentro, 2008, La Losa, Oviedo














Realizado por: Laura Simón Ramos. 2º Bachillerato B

jueves, 29 de abril de 2010

Mujeres graffiteras



Graffitis

Son inscripciones o signos anónimos dibujados o pintados en paredes de edificios, muros o vagones de metro, cuyo objetivo principal es testificar la presencia de su autor en un lugar determinado. A fines de la década de 1960, comienzan a desarrollarse probablemente los graffiti más representativos, los del metro de Nueva York. Estos, fueron realizados por jóvenes denominados writers (escritores) procedentes de etnias y ambientes sociales marginales, representan una subcultura de la calle, espontánea y underground, conectada con la música rap y el break dance. Los graffitis pueden adoptar distintos estilos o formas: tags (firmas o contraseñMujeres graffiterasas), throw ups (nombre de dos o tres letras formando una unidad redondeada), entre otras.
Pronto los círculos artísticos de Nueva York se fijan en estos artistas callejeros y promueven sus obras pictóricas en las galerías de arte.
Desde finales de la década de 1970, el fenómeno del graffiti se eleva en Nueva York a la categoría de arte mediante el apoyo de ciertos críticos y galerías que comienzan a exponer la obra de algunos writers convertidos en artistas, como Jean-Michel Basquiat, Keith Haring o Kenny Scharf, quienes realizan en sus obras una mezcla de signos e imágenes tomadas de la cultura de la calle con otras procedentes de la historia del arte o de la cultura.
El movimiento del graffiti tuvo su máximo explendor a comienzos de los años ochenta, momento en el que se hacen las obras más agresivas. Pero en cuanto los artistas provenientes de las calles convierten su actividad en algo rutinario y otros con preparación artística se incorporan a la "moda" del graffiti, las obras resultan triviales, carentes de toda importancia.
Además, el graffiti es uno de los cuatro elementos básicos de la cultura hip-hop, donde se llama grafo o graffiti a un tipo específico. En este sentido, una pintada política no sería un graffti.



Mujeres graffiteras

En la actualidad, hay mujeres que en este contexto desafían los cánones que han impuesto este sistema patriarcal y machista y que deciden conscientemente o no –situación que no esta en discusión- manifestar esas diferencias.
En primer lugar, estas mujeres están desarrollando una actividad que por años se pensó exclusivamente masculina; cuando por siglos se consideró a la mujer objeto de las expresiones artísticas, más no como productoras y más aún en el graffiti, actividad muchas veces clandestina y asociada con lo ilegal, con lo nocturno, con lo prohibido…

En segundo lugar, chicas que incesantemente están rivalizando, en primera instancia consigo mismas, por hacer mejores diseños, mejores trazos, no quedándose conformes con lo que hicieron hoy o ayer, sino que tienen en sus mentes hacer algo mejor y con más calidad: creciendo continuamente. En segunda instancia con los que están afuera, hombres y mujeres, callando a muchos con su trabajo y demostrando que las diferencias genéricas no son obstáculo alguno para estar al nivel de los mejores.

En tercer lugar lidiando con los comentarios de una sociedad aún demasiado conservadora, la cual ve en el graffiti una actividad vandálica y si son mujeres las criticas aún van más cargadas de prejuicio: “las mujeres no salen de noche”, “las niñas buenas están en su casa aprendiendo a ser buenas madres o esposas”, “las mujeres que están en la calle son prostitutas”, “eso es cosa de hombres”, “por que mejor no te pintas el trasero”… etc.

Afortunadamente, hay muchas chicas que están rompiendo lo que muchas veces les ata, y con ellas vienen sus parejas, sus familias y así poco a poco esto irá cambiando.


Algunas Imágenes


 






Realizado por: Juan Carlos Rivera Prieto
2º Bach- B

martes, 27 de abril de 2010

Ouka Leele


Biografía
La fotógrafa Barbara Allende Gil de Biedma, más conocida como Ouka Leele, nació en Madrid en 1957.
Quiso ser pintora desde los tres años, y comenzó estudiando Bellas Artes. La fotografía llegó por casualidad cuando un amigo que iba al Photocentro le animó a que fuera. Estuvo unos meses aprendiendo y descubriendo el ambiente y la vida que existía, cosa que en la Facultad no había, y decidió abandonar Bellas Artes.
Las primeras fotos en blanco y negro que tomó con una se las publicaron en 1976 en un libro llamado Principio de Diorama Ediciones. También dejó de estudiar fotografía. Fue dejándolo todo ya que sabía que su única salida era dedicarse sólo a realizar su obra, a investigar.
En 1978 comenzó su actividad expositiva y un año después realiza su serie "Peluquerías", En marzo de 1980 su primera exposición individual se podía visitar en la Galería Redor de Madrid.
Llegó a mezclar su vocación de pintora con la de fotógrafo, siento la fotografía la que aporta la parte de realidad a sus imágenes. Los resultados son de una pulcritud muy especial, que aparejan la creación de un mundo imaginario cercano al realismo mágico y a la vez al “pop”, en su lado inverosímil y divertido.
Su fotografía coincide con la movida, el auge cultural,Fue un momento muy bueno y creativo que le permitió que en pocos años su obra fuera conocida.
Sus trabajos se exponen por toda España y su obra comienza a ser reconocida y valorada en el extranjero. Se convierte en una fotografía emblemática de esa década. Su obra se expone en las principales ciudades europeas, en EEUU y en Japón. Y ha participado en los proyectos fotográficos más importantes de los últimos años.
Ahora, tiene una época en su vida en la que ve la fotografía muy lejos, aunque sigue utilizándola y realizando algún trabajo, se está yendo mucho más a la pintura.
La obra de Ouka Leele forma parte de los siguientes museos y colecciones publicas: - Museo Municipal. Madrid. - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. - Museo Español de Arte Contemporáneo. Madrid. -FondationCartier. París. - Tabaco Gitanes, París. - Museo de Alcobendas, Madrid. - Fundación La Caixa. Barcelona. - Museu d'Art Contemporani d'Eivissa. - Centre de la Vieille Charite. Marsella. - Instituto Cervantes. Lisboa. - Colección Arco. Madrid.

Obras
Algunas de sus muchas obras son:
                                                                  El beso

                                                              Los limones

                                                              La peluquería
                                                                Autorretrato

                                                   Artículos
       La obra de Ouka Leele se ha convertido en una película que, más allá del documental, descubre a una sincera actriz que cuenta su vida sin reservas y ofrece lo que tiene: una especial forma de ver el arte.
Además, hay que destacar que ha obtenido muchos prmeios y galardones, entre otros están:
 -Premio Nacional de Fotografía.
 -Premio Goya 2010 por "Mejor pelicula docuemntal".
 -Premio Nacional de Fotografía 2005.

                                                               









 


un publicista: Alexandre de Riquer

Alexandre de Riquer i Ynglada nace en Calaf, 3 de mayo de 1856 y muere en Palma de Mallorca el 13 de noviembre 1920. Fue un intelectual y artista polifacético español: diseñador ,dibujante, pintor, grabador, escritor y poeta, fue una de las figuras más importantes del modernismo en Cataluña.

Estudió en Francia, primero en Béziers entre 1869/ 1871 y por su interés en las clases de dibujo se matriculó en la escuela de Bellas Artes de Tolosa de Llenguadoc. De regreso a Barcelona en 1874 prosigue sus estudios en la escuela Llotja. Por estas fechas escribe poesías Notas del alma datadas en el año 1875, donde la influencia de Bécquer y de Campoamor está manifiesta, como relata Martí de Riquer.
Viajó por Roma, París pero fue en su viaje a Londres  en el año 1894, donde conoció el movimiento de los prerrafaelistas ingleses y el arte japonés, que causarían una gran influencia en sus creaciones.
En 1890 hace su primera exposición individual en la Sala Parés de Barcelona, con el tema exclusivo de pájaros, con gran éxito de crítica y venta.
Publica a partir de 1897 varios libros de sonetos con ilustraciones realizadas también por él. Muerta su primera esposa María Dolors Palau, se casa de nuevo en 1911 con la escritora francesa Marguerite Laborde (Andrée Béarn en literatura), a partir de aquí se dedica casi exclusivamente a la pintura.

Entres sus obras pictoricas destacamos:
  • 1876- Paisatge de la Segarra
  • 1877- Purísima. Museo Diocesano de Barcelona.
  • 1890- Sant Francesc i els ocells
  • 1890- Entre lirios
  • 1893- Donas amb catàleg. Ateneu Barcelonés
  • 1893- La Anunciación
  • 1911- Marguerite Laborde. Museo Nacional de Arte de Cataluña en Barcelona.
  • 1912- Rebaño cerca de Oloron
  • 1913- Aranjuez Fuente de Baco
  • 1916- Emilia de Riquer i Palau. MNAC
  • 1918- Olivares
Entre las obras literarias queda destacar:
  • 1875- Notas del alma. Manuscrito
  • 1897- Quan jo era noy
  • 1899- Crisantemes
  • 1899- Obdulia
  • 1900- El rei dels álbers
  • 1902- Anyorances
  • 1906- Aplec de Sonets
  • 1910- Poema del Bosch
  • 1978- Petons
Hecho por:GUILLERMO FERNANDEZ MENDEZ 2 bachillerato B

    "¿En qué se diferencian nuestros sueños?" - Rocío Asensi

    Vivimos en un mundo de tensiones raciales, geográficas, económicas y culturales, donde lo más fácil es encontrar diferencias y enfrentamientos entre unos y otros. Donde parece que el entendimiento y la tolerancia carecen de significado.
    Me pregunto si buscando en nuestros anhelos y deseos más profundos nos encontraríamos con las mismas diferencias.
    ¿Hasta que punto influye nuestro entorno personal o cultural en nuestros sueños y anhelos? ¿Es fundamental el conocimiento y confianza en uno mismo para el descubrimiento y la realización de nuestros sueños y deseos más auténticos?
    ¿De que manera evolucionan estos desde nuestra infancia (debido a influencias y castraciones sociales y culturales)?
    ¿Hay tantas diferencias entre nosotros?
    A pesar de nuestras diferencias sociales, culturales, geográficas, religiosas ¿tiene el hombre las mismas inquietudes?
    Me refiero siempre a nuestras inquietudes, sueños y deseos mas profundos, más auténticos, los que más tienen que ver con nosotros y con nuestro yo interno. Los que realmente contribuyen a mostrar quien y cómo somos.
    Este trabajo supone una búsqueda de nuestro sueño más profundo, el que mejor nos representa, sacarlo a la luz y ver si somos tan diferentes o mucho más parecidos de lo que nos imaginamos. También utilizo el concepto de deseo como principio de toda creación. A partir del primer pensamiento ya estamos creando. Me interesa la idea de hombre creador de su propia vida y de lo que le rodea. En el momento en el que comenzamos a visualizar nuestros deseos ya estamos activándolos de alguna manera.

    Rocío Asensi. 2008.




    Trabajo de Rocío Asensi ¿En qué se diferencian nuestros sueños?















    REALIZADO POR: SARA TOCINO CONTIOSO 2ºB

    martes, 13 de abril de 2010

    Toulouse Lautrec



    T.Lautrec,
    Autorretrato ante el espejo, c.1880.


  • El peso de una vida traducido en liviandad:

         Lautrec era de familia aristocrática, al romperse las dos piernas quedó contrahecho y se amargó. Se encontró con el rechazo del padre, su madre le alentó. En el 1883 ingresa en el taller de Cormont, donde conoce a Van Gogh, Gauguin... . El referente más importante para Lautrec es Degas, se sintió atraído por los mismos temas que él: las bailarinas, los caballos... pero entre ambos hay diferencias. Degas representa un mundo mecánico, reiterativo y monótono, mientras Lautrec pinta movimientos específicos y fugaces, por ello, necesita una técnica rápida.






  • Su modo de entender el arte y su uso del dibujo:

         Lautrec supone el punto de partida para el expresionismo posterior. En un primer momento, contactó con el impresionismo, pero luego lo abandonó, porque tenía intereses diferentes. El paisaje apenas si lo practica, él se decanta por los seres vivos, sobre todo por la figura humana en movimiento. Es un gran admirador del arte japonés. Su vehículo de expresión es el dibujo. Tanto por técnica, como por actitud frente al modelo, es de gran personalidad.
         El dibujo tal y como lo usa no tiene que ver con el concepto de dibujo tradicional de raíz académica: trasladar la imagen al lienzo no le sirve sólo para reproducir la apariencia, sino también la expresión que provoca en él la visión del objeto. A través del trazo transmite sus filias y sus fobias. Hace un uso expresivo, no descriptivo del dibujo. Tiene gran capacidad para captar la psicología de lo que tiene delante: seres humanos en movimiento, gestos individualizados, bailes, actuaciones... . Es un observador preciso que a veces trata temas inadecuados. Presenta lo real, sin hacer crítica ni edulcoración. En él, el aspecto artístico siempre va por delante del tema. Junto con Gauguín es el introductor de las grandes áreas de color plano.






  • El cartel moderno:

         Lautrec es el creador del cartel moderno, introduce aspectos que influyen en la publicidad posterior. En sus carteles hay relación entre texto y letra. El cartel se dirige a convencer y requiere una imagen limpia, eficaz, y llamativa. A Lautrec le importa de modo especial el estímulo psicológico. A partir del dato visivo profundiza y capta lo personal. Al captar el rasgo personal, se decanta por el dibujo, el pastel y litografía. A Lautrec siempre le atrajo el tema de la escena y las carreras de caballos. No le atrae el mundo burgués, sino los ambientes más bajos como Montmartre. Lautrec entiende el arte como comunicación de actualidad.






  • Técnicas que Lautrec utiliza:

         Lautrec es un gran experimentador de técnicas las usa con gran maestría y mezcla unas con otras. Él suele mezclar en un mismo apunte óleo, tiza, pastel, tinta china... . La técnica mixta le permite crear diferentes efectos. Para sus apuntes prefiere un cartón marrón,sin preparar, después aplica óleo muy diluido en esencia de trementina; da una textura curiosa, ya que el cartón absorbe la esencia de trementina y en la superficie queda el óleo mate. Tampoco cubre todo el soporte y juega con el color y la textura rugosa del soporte.






  • El mito de la bohemia:

         En 1884-1893 se instala en Montmartre. Son sus años más fecundos, su problema de la bebida se agudiza, lleva una vida muy bohemia. Es ahora cuando su concepto de dibujo le lleva a deformar a la figura. Hace carteles muy conocidos de los cabarets más famosos del momento. Su primer cartel fue para el Moulin Rouge y lo realiza en 1891.  El mundo de los cabarets, conciertos y espectáculos son el punto de partida de sus litografías y pinturas.      Hacia 1891 se instala en bares de burdeles, se encontró a gusto en el entorno, se entendía con los marginados, porque él también era uno de ellos. Estos personajes contaban con un añadido, posaban desnudos ante él con gran naturalidad y lo hacían gratis. Es ahora cuando hace una serie de titografías agrupadas bajo e nombre de Ellas.




    T. Lautrec, "Moulin Rouge": La Goulue, 1891, litografía a colores (cartel), 191 x 117 cm, Milán, Civica Raccolta di Stampe Bertarelli.
     T. Lautrec, La Goulue entra con dos mujeres al "Moulin Rouge", 1892, óleo sobre cartón, 79´4 x 59 cm, Nueva York, Museum of Modern Art. 
    T. Lautrec, "Jardín de París": Jane Avril, 1893, litografía a colores (cartel), 130 x 95 cm, colección privada.

     Realizado por: Juan Carlos Rivera 2º- Bach B



  • Ramón Casas y el Cartelismo

    Ramón Casas fue uno de los precursores del cartelismo artístico en Cataluña. Sus realizaciones incorporaran una visión europea y moderna, en la que la figura femenina adquiere una singular importancia.

    En Cataluña el cartelismo se introdujo de la mano de diferentes dibujantes, entre ellos Josep Pascó, decorador de la residencia de Ramón Casas en el Paseo de Gracia de Barcelona, Alexandre de Riquer, Lidom Navarro, Llaverias, Adrià Gual entre otros.

    El 3 de diciembre de 1896 la Sala Parés celebró la primera exposición de carteles de artistas extranjeros, con obras de Tolouse-Lautrec, Chéret, Léfèvre, Hardy, Price o Robertson. La exposición tuvo mucho éxito y a partir de este momento los industriales y comerciantes catalanes dejan de tener recelos al respecto del uso del cartel. Ramón Casas se descubre como un artista imprescindible y con un estilo personal caracterizado por un dibujo sintético y realista cercano a las propuestas de Tolouse-Lautrec y Steilen. En sus trabajos sintetiza lo que han de contener los carteles publicitarios: composición sencilla, con una línea expresiva que cierra grandes masas de colores brillantes destacando sobre un fondo de color uniforme.

    Su primer cartel lo realizó para la taberna modernista "Els Quatre Gats" de la cual era fundador. Así pues, en "Sombras-Quatre Gats" el artista desarrolla su primer intento de sintetizar el ambiente que se vivía en las sesiones de sombras chinescas, que Pere Romeu representaba en su local. En el cartel presenta a los personajes que habitualmente conformaban las tertulias del local y una dama en primer plano. 







    Anís del mono, (215x110 cm),
    para Vicente Bosch, accèssit, 1898



    Cigarrillos París. Son los mejores , tercer premio del concurso organitzado por Manuel Malagrida i Casellas en Buenos Aires, 1901.



    Decoración de habitaciones,
    (74,4x48 cm), no datat  



    Ajut Infantil de reraguarda. Espera els vostres donatius,
    (73x53 cm), 1937.




    REALIZADO POR: Sara Tocino Contioso 2ºb

    martes, 6 de abril de 2010

    La mujer en la publicidad

    El sexismo se promueve de formas muy diversas. La publicidad, que vende productos e ideas, difunde en demasiadas ocasiones las diferencias y la discriminación de género. Aquí aparecen unos ejemplos del machismo publicitario en diferentes anuncios del siglo XX.

    1930: Kellogg's vitaminados para currar duro y lucir a la vez hermosa para tu marido.
    "Mientras más trabaja, más guapa parece ". 



    1952: "Si tu marido supiera que no estás buscando algo para mantener el café fresco''



    1953: ¿Es siempre ilegal matar a tu mujer?


    1953: Esta marca de ketchup se asombraba: "¿De veras que una mujer puede abrirlo?


    1961: Este anuncio de Kenwood te dice que esa maquina lo hace todo… menos cocinar ¡porque para eso ya está la mujer!



    1970: El mini se define como un coche para la "conducción simple".



    ''Siempre es bueno tener una mujer en casa''


    O también encontramos publicidad machista en televisión :

    En el spot una mujer solicita a una pitonisa que descubra en su bola de cristal cómo puede aplacar los "terribles accesos de cólera" de su marido.
    En las imágenes se ve cómo él la intimida, le cruza la cara y después se va de casa. La bruja pregunta: "¿Has pensado que tu marido trabaja muchas horas y tiene derecho a encontrar un agradable recibimiento en casa?".
    La mujer asiente sorprendida de su necedad y la pitonisa sentencia: "¡Que nunca le falte su copita de coñac Soberano!".
    Los espectadores vuelven a ver la casa donde la mujer ofrece la bebida al marido, sentado en su sillón leyendo el Boletín Oficial del Estado (!). Él agradece la atención con un cariñoso beso. ¿La conclusión de este ‘spot' de los años cincuenta? Marido alcoholizado, matrimonio feliz.



    El elemento común en la publicidad de los años 1939 a 1975 es que a ellas se les considera seres "inferiores".

    Realizado por Eva Alamillos y Pilar Cuaresma 2º B.