lunes, 19 de diciembre de 2011

Anita Malfati

El Faro

Hombre amarillo

Hombre japonés

La Boba

La Mujer de los cabellos verdes

Anita malfati
Anita Malfatti Catarina (Sao Paulo, 2 de diciembre de 1889 - Sao Paulo, 6 de noviembre de 1964), pintora, dibujante, grabadora, ilustradora y profesora.
El comienzo de su educación y artistísca cultural fue iniciada por su madre, Betty americana Malfatti, profesora de pintura y de idiomas. Debido a una atrofia del brazo y mano derechos, Anita se convirtió en la mano izquierda, usando su mano izquierda para pintar.
En Sao Paulo, estudió en el Mackenzie, en Alemania, estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Berlín. En Nueva York, tomó clases de pintura, dibujo y grabado con varios artistas en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York, la Escuela de Arte Independiente y trabajó haciendo ilustraciones para revistas Vanity Fair y Vogue.
Se dio a conocer después de una de sus exposiciones (organizada por Di Cavalcanti), cuando el escritor Monteiro Lobato hizo una crítica destructiva de la artista que casi acabó con su fabulosa carrera. Después de ese tiempo, cambió de tema, la producción de naturalezas muertas, retratos, paisajes y escenas populares.
A finales de los 10, en São Paulo, estudió pintura en el estudio del artista Pedro de Alejandría, donde conoció a Tarsila do Amaral. Como profesora de dibujo en la Escuela Americana, la Universidad Mackenzie,
Funda con Tarsila do Amaral, Mário de Andrade, Oswald de Andrade y Menotti del Pichia Grupo de los Cinco, en 1922, y participó en la Semana de Arte Moderno.
Años más tarde se unió a la Sociedad Pro Arte Moderno (SPAM), Familia Arte Paulista (FAP) y participó en el Salón de la Revolución.
En 1942, fue presidente de la Unión de Artistas de São Paulo. Su primera retrospectiva tuvo lugar en el Museo de Arte de Sao Paulo en 1949. También se expone en el Salón de primera Paulista de Arte Moderno y en la 1 ª Bienal Internacional de Sao Paulo.
Después de la muerte de su madre, Anita se alejó del mundo del arte desde hace algún tiempo, sin embargo, cuando regresó oficialmente en una exposición individual de 1955, el artista presentó sus obras producidas en este período de retiro.
El nuevo tema, el arte popular opción exclusivamente brasileño es
considerado por ella y por diversos profesionales de la fase más pura y más.
Colorido

Anita Malfati

Trabajo realizado por: 
Sacha Chinyakov , Laura Belén Flores y Rocío Galdeano, 4º Eso E.






lunes, 12 de diciembre de 2011

EMILIE FLÖGE, Musa de Gustav Klimt

Emilie Flöge 1874-1952, dedicó toda su vida a la moda. Su relación con G. Klimt le aportó grandes conocimientos sobre pintura, ella fue su musa a lo largo de toda su vida.


La siguiente presentación, realizada por alumnos de 4º Eso E, nos aporta más datos sobre su vida.



  

viernes, 25 de noviembre de 2011

DÍA INTERNACIONAL DE LA NO VIOLENCIA CONTRA LA MUJER

LAS HERMANAS MIRABAL



Patria, Minerva y Mª Teresa, llamadas " las Mariposas" se opusieron a la dictadura sanguinaria del dominicano Rafael Leónidas Trujillo. Acusadas de conspirar contra el régimen fueron encarceladas, violadas y torturadas en numerosas ocasiones. Finalmente fueron brutalmente asesinadas el 25 de noviembre de 1960. En su honor, cada 25 de noviembre desde el año 1981, se conmemora el Día Internacional de la No Violencia Contra la Mujer.

















jueves, 24 de noviembre de 2011

La mujer en la pintura de Toulouse Lautrec

Con motivo de la exposición celebrada en el Centro Cultural de la Villa de Madrid sobre el pintor Toulouse Lautrec y su pintura de figuras femeninas, bailarinas.... exponemos algunas de sus obras más representativas. En ellas podemos apreciar como la mujer  es el centro de su inspiración pictórica. Capta la instantánea del movimiento que realzan en los diferentes pases del baile. También recoge los momentos más íntimos de la vida cotidiana de la mujer.Algunas de sus obras son:

La Inspección médica



Salón de la rue des Moulins
                                                          






Aquí vemos un video con muchas pinturas de Henri Toulouse-Lautrec:



LAS OPRTUNIDADES DE LA EDAD: MUJERES SABIAS

domingo, 20 de noviembre de 2011

EL HERMITAGE EN EL PRADO

En las salas de exposiciones temporales del Museo del Prado ha sido inaugurada una exposición que exhibe una serie de obras pertenecientes a la pinacoteca rusa. Es una exposición brillante que llama la atención por su variedad de contenidos, desde el siglo V a C. hasta el siglo XX, muestra obras de Caravaggio, Tiziano, Velázquez,Rembrandt, Monet, Renoir, Matisse o Picasso entre otros.


La bebedora de absenta. Pablo Picasso
Óleo sobre lienza, 1901.

Mujer sentada, Pablo Picasso
Óleo sobre lienzo,




Henri Matisse, Conversacion.
Óleo sobre lienzo, 1909
Entre todas las obras exouesta llama la atención la enigmática Mujer con sombrero  negro del pìntor holandés Kees van Dongen (1877-1968) . Pero ¿Quién era? posiblemente su esposa Augusta Preitinger o quizás Léa Alvin amiga del pintor. Espero resolver pronto este enigma.

               

Mujer con sombrero  negro
 Kees van Dongen (1877-1968) .
Óleo sobre lienzo, 1908


En este video podemos hacernos una idea general de lo que es en sí la exposición, espero que disfrutéis.

jueves, 10 de noviembre de 2011

Jeanne Hébuterne


Jeanne Hébuterne, pintora francesa, nació el 6 de abril de 1898 en Meaux, Seine-et-Marne, Francia.

 Fotografía de Jeanne Hébuterne, fecha desconocida.
Galeria André Roussard, Montmartre.


Juventud y matrimonio


Hija de Achille Casimir Hébuterne, contable en el centro comercial Le Bon Marché1 y de Eudoxie Anaïs Tellier, sin profesión, los orígenes de la familia Hébuterne se sumergen en el pequeño pueblo de Varreddes, de donde era originario su abuelo paterno. Singularmente hermosa, Jeanne conoció la comunidad artística de Montparnasse gracias a su hermano André Hébuterne, entonces pintor en ciernes. Trabó relación con algunos de los famélicos artistas del barrio, y posó para Tsuguharu Foujita. Dotada de cierto talento para el dibujo, accede a la Académie Colarossi con el propósito de iniciar una carrera artística. Fue allí donde en marzo de 1917 conoció a Amedeo Modigliani a través de una amiga común, Chana Orloff (1888-1968) quien acudía a la Academia, como muchos otros artistas profesionales, para aprovechar la presencia de modelos en vivo. Pronto surgió el romance entre la estudiante y el carismático artista. Más adelante, ella se mudó a vivir con él, pese a la oposición de su familia, estrictamente católica.

Por aquel entonces, el padre de Jeanne trabajaba como cajero en una mercería. Era un hombre cultivado, apasionado de la literatura del siglo XVII, convertido al catolicismo, de costumbres austeras, por lo que no vio con buen ojo su relación con el pintor judío al que consideraba un depravado. A pesar de la opinión de su padre, Jeanne se instaló con Modigliani en la rue de la Grande-Chaumière, en Montparnasse (París), en el taller que habían alquilado al agente de Modigliani, el poeta polaco Léopold Zborowski.

Jeanne era, en palabras del escritor Charles-Albert Cingria, una joven amable, tímida, tranquila y delicada, y se convirtió en el tema principal de la pintura de Modigliani. En otoño de 1918, la pareja se mudó a Niza, en la Riviera francesa, donde según el marchante de Modigliani residía una comunidad de ricos aficionados al arte que apreciarían su pintura. El 29 de noviembre de 1918, en una clínica obstétrica de Niza, donde también trataban de superar la avanzada tuberculosis de Modigliani, Jeanne trajo al mundo a una niña, a la que daría su mismo nombre. La pequeña fue entregada al nacer a una institución, para asegurarle unos cuidados que sus padres no podían darle, pero no fue dada en adopción. Permaneció en la institución hasta la muerte de Hébuterne, momento en que la hermana de Modigliani que vivía en Florencia acogió a la pequeña Jeanne y la crio. Ya mayor, Jeanne Hébuterne Modigliani, de casada Jeanne Nechtschein, escribió una importante biografía sobre su padre titulada: "Modigliani: hombre y mito"



Retrato de Jeanne Hébuterne,
 Amedeo Modigliani, 1919, óleo sobre lienzo de 55x38.

Muerte

 El estado de salud de Modigliani no cesaba de agravarse, muriendo finalmente de meningitis tuberculosa, a los 35 años de edad, el 24 de enero de 1920. Esa madrugada, cuando sus padres y su hermano André discutían sobre su futuro y el de sus hijos ilegítimos, y estando Jeanne en el noveno mes de su embarazo, saltó por la ventana del quinto piso de su antigua habitación en el apartamento de sus padres, 8 bis, rue Amyot, en el distrito V de París. El 27 de enero Modigliani fue enterrado «como un príncipe» en el cementerio de Père-Lachaise después de que el cortejo fúnebre formado por toda la comunidad de artistas acompañara su cuerpo por las calles de París. Jeanne, en cambio, fue enterrada en secreto por sus padres en el cementerio de Bagneux.

No fue hasta 10 años más tarde, cuando Emannuele Modigliani, el hermano mayor del pintor, convenció a la familia Hébuterne para trasladar los restos de Jeanne a una tumba junto a la de Amedeo. Desde 1930 reposan juntos, bajo el epitafio: "Compañera devota hasta el sacrificio extremo".


Su pintura

Pasaron más de tres décadas hasta que un experto en arte convenció a los herederos de Hébuterne de liberar sus obras al acceso público. En octubre de 2000, sus pinturas se presentaron en una importante exposición de Modigliani celebrada en Venecia por la Fondazione Giorgio Cini.




Muerte, Jeanne Hébuterne, 1916



Retrato de Modigliani,
Jeanne Hébuterne, 1919.


   Autorretrato sobre óleo, 55x 33.5,
Jeanne Hébuterne, 1916.

AUTORES
Francisco Munera Martínez
Eduardo Rueda Blalla
Jorge Cámara Quílez

jueves, 3 de noviembre de 2011

LA MUJER DE COSLADA


LA MUJER DE COSLADA


Es la escultura de una figura femenina de medio cuerpo que emerge de la tierra, su cara parece buscar el sol, se trata de “La mujer de Coslada”, obra del artista manchego Antonio López.

Fundida en bronce, sus colosales dimensiones son: cinco metros de altura y cuatro de anchura, y el precio de su ejecución asciende a, 450.000 euros. Está situada en la rotonda de la Rambla de Coslada, Corredor del Henares (Madrid) donde podemos dirigirnos si deseamos apreciar esta gigantesca escultura.
La escultura se ha realizado fundiendo en bronce las 44 placas de poliestireno de alta densidad que componen la obra. Los metales han sido trasladados municipio cosladeño y se han ido ensamblando.
Antonio López (Tomelloso, Ciudad Real, 1936) es una de las grandes figuras del arte contemporáneo español. Su obra pictórica y escultórica están cargadas de un realismo que trasciende.



Según las palabras del propio artista:
"Es una mujer que nace de la tierra. Se me ocurrió que podía ser muy interesante prolongarla hasta debajo del ombligo y que aparecieran los brazos, los hombros y pecho. Es muy difícil decir lo que representa, es una mujer que mira hacia arriba, está desnuda y representa el asombro ante el mundo".

Una escultura cargada de misterio de la cual el artista reconoce que "es algo que no se puede inventar, aunque el gesto aleja la escultura del retrato objetivo, la escultura ha crecido con naturalidad, el cuello y tórax confieren a la mujer un toque enigmático y con mucha presencia."

¿Cuál ha sido su fuente de inspiración?
La  escultura  de una “Modelo guapísima” en cera blanca, según afirmo el autor  copió de una alumna de la Facultad de Bellas Artes”..


 
Escultura en cera blanca, 2010.
Colección del artista





PROCESO CREATIVO










jueves, 26 de mayo de 2011

Marietta Robusti



 Nacida en Venecia en 1556 hija del famoso pintor Tinttoretto, cuyo nombre original era Jacopo Robusti, y apodado así por ser hijo de un tintorero de sedas. Marietta fue la hija predilecta del pintor entre sus ocho hijos, para que ella pudiera recibir una educación mas completa su padre le llevaba ha todos los lugares vestida de chico. De este modo ella consiguió alcanzar el nivel técnico de su padre llegando a un punto en el que sus obras son prácticamente idénticas. Es pintora no solo recibió instrucción en el arte sino que también recibió clases de famosos músicos de la época como Giulio Zacchino.
Marietta consiguió convertirse en una famosa pintora de su tiempo, retrataba a la aristocracia tras haber recibido durante muchos años la técnica de su padre. Su primer retrato, fue el de Marco del Vescovi, muy admirado especialmente por la pintura de la barba, según esta autora algunos ya se aventuraron a decir que había igualado a su padre en la ejecución de esta obra.
El apego que sentía por su familia, especialmente por su padre, le impidió viajar y aceptar ofertas que algunos reyes de la Europa del momento, finalmente contrajo matrimonio en el único hombre que su padre acepto (solo porque le accedió a vivir en la misma casa).
Tras cuatro años de matrimonio Marietta muere en el parto dejando a su padre quedo sumido en una profunda depresión. 
Virgen con el niño

Mujer veneciana

Retrato de Ottavio Strada

Marisol del Villar

Paula Rego

Paula Rego nació en Lisboa dentro de una familia adinerada durante los años del régimen de Salazar, lo que quizás fuera una primera influencia para sus posteriores personajes, siniestros y dominantes. Enviada a estudiar a St Julian's School, Carcavelos,Portugal, después ingresó en la prestigiosa Slade School of Art de Londres, donde fue alumna de William Coldstream. En la Slade School conoció al también artista Victor Willing, con quien contrajo matrimonio. Ambos dividieron su tiempo entre portugal e inglaterra hasta 1975 cuando se trasladó definitivamente a las islas británicas. En 1988 Willing muere después de sufrir durante años de esclerosis múltiple. Suegra de Ron Mueck esta le influirá para pasar de sus trabajos en empresas de efectos especiales al arte dentro de las galerías. En 1989 entró en la lista de candidatos al premio turner y en 2005 se le concedió el grado de doctor honoris de letras por la Universidad de Oxford.

"Familia" Paula Rego
us primeros trabajos datan de las décadas de 1960 y 1970 neodadaísta o estilo informal. Mezcla diferentes técnicas con pintura y collage, juega con imágenes infantiles, fetichistas y traumáticas. Las cuales serían fundamentales en su estilo de madurez. Formó parte del London Group, con quienes participó en exposiciones colectivas junto a artistas de la talla de David Hockney. Rego desarrolló un estilo más ilustrativo y figurativo. Relacionada con Francis Bacon y Freud pero con una fuerte influencia de Beatrix Potter y sus libros de cuentos de hadas. Su trabajo ofrece a menudo una cara siniestra, acentuando la dominación maliciosa y la subversión del orden natural. Se ocupa de realidades sociales polémicas, un ejemplo sería Triptych (1998) sobre el tema del aborto, actualmente en la colección Abbot Hall en Kendal. El estilo de Rego es comparado en ocasiones con las ilustraciones de historietas o tebeos. Como en las historietas, los animales se representan a menudo en papeles y situaciones humanas. Sus últimos trabajos muestran un estilo más realista, pero en ocasiones continúan las referencias animales, la serie Dog Woman de 1990 por ejemplo, en una serie de cuadros al pastel representa a mujeres con diferentes poses propias de perros (ladrando a la luna, etc).
Rego también ha pintado un retrato de Germaine Greer, que se conserva en la galería nacional del retrato en Londres así como el retrato oficial del presidente portugués de Jorge Sampaio. 

Realizado por: Fco Javier Real Rodríguez 2 B


 


jueves, 12 de mayo de 2011

Jane Goodall


Dame Jane Goodall, PhD, DBE es una naturalista, activista y primatóloga que ha dedicado su vida al estudio del comportamiento de los chimpancés en África y a educar y promover estilos de vida más sostenibles en todo el planeta.
Nacida en el seno de una familia modesta y de escasos recursos, desde pequeña soñó siempre con viajar a África y vivir entre animales y escribir libros sobre ellos. Al finalizar el colegio, hizo estudios de secretariado. Trabajó en la administración de una clínica, en la Universidad de Oxford y en un estudio de documentales en Londres, pero al ser invitada por una amiga residente en Kenia, en 1957 trabajó de camarera por 4 meses para pagarse el pasaje en barco. En África conoció al paleoantropólogo Louis Leaky, años más tarde mentor también de Dian Fossey y Biruté Baldikas quien, impresionado por su determinación, la contrató como secretaria. Él la invitó a participar primero en las excavaciones de fósiles de homínidos en la Garganta de Olduvai, y más adelante para liderar un proyecto de estudio de chimpancés salvajes en Gombe, Tanzania, en 1960. África le cambiaría la vida para siempre.
Tras observar el comportamiento de los chimpancés salvajes durante meses, un día descubre a un individuo introduciendo un palo (que previamente había cortado y deshojado) en un agujero de un termitero para sacar termitas y así comérselas. Con este descubrimiento, Jane Goodall demostró que el concepto que hasta entonces se tenía de que la especie humana era la única que fabricaba y usaba herramientas era falso. Sus observaciones sobre la conducta instrumental de los chimpancés, sus hábitos de caza, su estructura social, sus emociones, su inteligencia y su personalidad individual revolucionaron la biología y nuestra percepción sobre los chimpancés y sobre los mismos Homo sapiens.

Fue la pionera en la investigación de grandes simios en estado salvaje, introduciendo metodologías originales que fueron criticadas por el establishment científico del momento pero que hoy son ampliamente utilizadas. En el año 1965 estableció el centro de investigación Gombe Stream en la reserva del mismo nombre, a orillas del lago Tanganyka, en lo que es ahora Tanzania. El mismo año obtuvo un doctorado en Etología en la Universidad de Cambridge. Sus investigaciones prosiguieron por décadas, y aún ahora, 50 años después, continúan diariamente los estudios de campo sobre la comunidad de chimpancés de Gombe, en lo que constituye la investigación de campo más larga sobre una especie salvaje.
Se casó en 1964 con Hugo van Lawhik, a quien conoció trabajando como fotógrafo de la National Geographic en Gombe, y juntos tuvieron un hijo, Hugo Erik ("Grub"), en 1967, que creció viviendo en la selva con ellos. Actualmente su hijo y sus nietos viven en Tanzania. Más adelante Jane Goodall y Hugo van Lawick se divorciaron, y Jane se casó por segunda vez en 1975 con Derek Bryceson, de quien enviudó en 1980.
En 1977 fundó el JGI, el Jane Goodall Institute que apoya el trabajo en la Reserva de Gombre y trabajos de investigación, educación y conservación en África, con 27 oficinas en el mundo. Su Instituto posee centros en África para la recuperación de chimpancés rescatados, como Tchimpounga, en República del Congo. También tienen proyectos de conservación centrados en la comunidad local, con programas de desarrollo sostenible, educación, microcréditos, becas, sanidad, puntos de agua,reforestación, etc. El Instituto Jane Goodall promueve el rol activo de las comunidades en la conservación de su medio ambiente.
A lo largo de su carrera ha sido homenajeada y distinguida con diversos premios por su labor. En 1984, Jane Goodall recibió el premio J. Paul Getty Wildlife Conservation por "ayudar a millones de personas entender la importancia de la conservación de la vida silvestre en la vida del planeta". En el año 2003 recibió en España el premio Príncipe de Asturias. También ha sido galardonada como Embajadora de la Paz por las Naciones Unidas. Ha recibido más de 100 premios internacionales y más de 40 doctorados Honoris Causa, entre ellos por la Universidad de Alicante (España) y por la Universidad Nacional de Córdoba (Argentina)en 2009.
Sus observaciones y descubrimientos sobre los chimpancés, los parientes evolutivos vivos más cercanos genéticamente al ser humano, junto con los bonobos, han tenido un gran impacto global y la han convertido en la mujer científica más conocida del siglo XX. Hoy en día pasa menos tiempo en África y dedica unos 300 días al año a dictar conferencias y charlas por todo el mundo, promoviendo el programa de educación ambiental Root&Shoots, con más de 15.000 grupos en 120 países, y alentándonos a usar el don de nuestras vidas para hacer de este mundo un lugar mejor para todos.
Entre sus libros figuran The chimpanzees of Gombe, In the shadow of man (En la senda del Hombre), Through the window (A través de la ventana), The Ten Trusts (Los diez mandamientos), Visions of Caliban, Africa in my blood, Beyond innocence, Reason for Hope (Gracias a la vida), Harvest for hope (Otra manera de vivir), Hope for animals and their world, entre muchos otros, incluyendo una decena de libros infantiles. Decenas de documentales y películas se han rodado sobre Jane Goodall y su trabajo, como Jane Goodall's Wild Chimpanzees (IMAX), Jane Goodall's return to Gombe (Animal Planet) y la más reciente Jane's journey (Alemania, 2010)
El Instituto Jane Goodall en España lleva adelante programas de investigación y conservación en Senegal, de recuperación de chimpancés huérfanos en Congo (a través de su programa de apadrinamiento ChimpAmigos), de educación ambiental en los dos Congos y en España , de Ecoturismo responsable en África , y campañas de sensibilización sobre el coltán y reciclaje de móviles para aportar recursos a los programas en África .


 Isidoro Cano Martínez

Marie Curie


Marie Curie

Nació el 7 de Noviembre en Varsovia en Polonia, posteriormente nacionalizada francesa. Fue una química y física, pionera en el campo de la radiactividad y la primera persona en ganar dos premios Nobel y en ser la primera profesora en la Universidad de París.

Estuvo casado con el físico Pierre Curie, madre de Ève Curie y Irene Joilot-Curie, ganadora junto con su marido de un premio Nobel.

Tras quedarse ciega, antes de la Segunda Guerra Mundial, murió de anemia aplástica en Francia en 1934. En 1995 sus restos fueron trasladados al Panteón de París , convirtiéndose así en la primera mujer en ser enterrada en él.

Durante un período de hiperinflación en los años 1990, su efigie estaba impresa en los billetes de 20.000 zloty en su Polonia natal. Existe una película biográfica sobre ella, dirigida por Mervin Leroy den 1943 y una biografía, escrita por su hija Ève Curie en 1937, traducida a varios idiomas y publicada en español dentro de la colección Austral.


Isidoro Cano Martínez

miércoles, 11 de mayo de 2011

MADEMOISELLE LANGE MUSA DEL PINTOR ANNE-LOUIS GIRODET DE ROUSSY-TRIOSON

Anne-Louis Girodet de Roucy  fue un pintor francés que nació en Montargis el 5 de enero 1767 y murió en París el 9 de diciembre de 1824.

El trabajo de Girodet está influido por dos grandes movimientos artísticos del siglo XIX: la búsqueda de la belleza ideal y la poesía con el espíritu de la época de su tiempo, presagiando el romántico.

BIOGRAFÍA
El joven Girodet pasó su infancia en su ciudad natal de Montargis y en 1785 se unió al taller de David, donde fue uno de los estudiantes más talentosos.

En la capital está protegido y asistido por el Dr. Trioson, amigo de la familia, y en 1787 pasó el Premio de Roma por primera vez. Al año siguiente lo vuelva a intentar con la muerte de Tacio y obtiene el segundo lugar.

Girodet regresó a París en 1795. Pintó varias obras importantes, incluyendo el retrato de Jean-Baptiste Belley en 1797, la señorita Lange como Danae en 1799, un retrato de Napoleón Bonaparte, Primer Cónsul en 1802, la lección de Geografía en 1803, el entierro de Atala en 1808, el retrato de François-René de Chateaubriand, meditando sobre las ruinas de Roma en 1809.
Aunque comenzó como un fiel seguidor de su maestro David, a continuación, trata de desarrollar un estilo personal. Empujó los códigos de la sensualidad y se aplica a escenas religiosas.

Su pintura a menudo organiza los hechos para dar una metafísica o estética y siempre en estilo neoclásico, sin embargo, le gustaba su pintura a través de los románticos exaltados sentimientos representados .

Girodet también es un ilustrador de libros, entre ellos Jean Racine y Virgilio.
Algunas de sus obras en las que aparece  la  señorita Lange como musa:


Mademoiselle Lange como Dánae




Mademoiselle Lange como Venus



Retrato de la señorita Lange

Manuel Cortés y Miriam Barranco. 2º Bach B.

 

jueves, 28 de abril de 2011

Paloma Polo Carreño (Madrid, 1983)

PALOMA POLO CARREÑO

Nació en Madrid en 1983, es licenciada Licenciada en Bellas Artes por la
Universidad Complutense de Madrid.
Ha hecho numerosas exposiciones desde 2004 hasta la actulidad, como en 2007
Colectiva de Dibujo, Galería Estampa en Madrid. Botánico situado en Madrid.
Concurso de arte Joven La Latina y La Latina también en Madrid.
Además ha recibido muchos premios y becas como en 2007
Accésit Certamen Jóvenes Creadores de la Comunidad de Madrid.
Estancias Injuve para la Creación Joven. Mollina - Málaga.
Ella piensa que:
"Hoy en día, mientras lo visual se desmaterializa por el efecto de los medios,
en un mundo que deviene aceleradamente virtual, o precisamente como
resultado de ello, pienso espontáneamente las imágenes como algo físico
: imágenes con superficie, anverso y reverso. Una superficie permeable, siendo
espejo (que nos refleja) o agujero negro (que nos absorbe). Esta
"membrana variable", siempre comprometida con dos partes (dentro/fuera,
observador/representación, el individuo/los otros…) se transforma en la
referencia fundamental que confiere sentido, aquello con lo que ambos lados
se miden."
Su trabajo pretende el acercamiento a lo real ,contempla, así, los mecanismos
que construyen sus representaciones culturales. Dando prioridad a la cultura
visual , intenta estudiar cómo articulamos nuestra relación con las
imágenes, qué sentido tienen nuestros gestos más corrientes hacia ellas.  Su preocupación por tareas simples, consensos automáticos y representaciones
incuestionables conduce a una selección de motivos simples (no por ello
menos complejos) que generan procesos de trabajo.

El trabajo de Paloma Polo Carreño sobre las expediciones astronómicas de los siglos XIX y XX ha sido reconocido por premios como Generaciones 2011, la Muestra de Artes Visuales Injuve y las becas a artistas del MUSAC.


 Guillermo Fernández Méndez y Marta Saco Ortega

Irene Pérez Pérez

Irene Pérez Pérez nació y creció en el caraqueño barrio de La Candelaria, asiento tradicional de inmigrantes canarios desde tiempos coloniales. Hija de “isleños” llegados en los albores del siglo XX, es seguro que su recio carácter fue modelado en la tradición libertaria inaugurada siglos atrás en ese mismo barrio - hacia 1750, sesenta años antes de la fecha de la declaración de le independencia de Venezuela - cuando Juan Francisco de León, su paisano, protagonizara la más genuina rebelión contra el poder absolutista de la corona española en América.
Tras haber intentado llevar su vida adulta con arreglo a los usos sociales que le ofrecían las “buenas costumbres” – se casó e intentó llevar una vida de ama de casa – un buen día, hacia el año 1992, Irene percibió con más claridad, tal vez al doblar una esquina, las voces interiores que le reclamaban un camino distinto de realización personal; y sin pensarlo más, se inscribió en la Cristóbal Rojas, que, además, no quedaba tan lejos de su casa. Así comenzó su aventura como escultora.






Arrastrando penosas dificultades económicas trató, ya desde estudiante, de entablar un trato profesional con el mercado del arte. Privilegiando el tema de la figura femenina (y trajinando sin dudas con ello los dolorosos problemas de identidad propios de toda joven) lograba vender los resultados de sus primeros ensayos aquí y allá, haciendo acopio de recursos materiales y espirituales para continuar su lucha por abrirse un camino.
Todo eso hasta el año 2000 tal vez, cuando en medio de una nueva crisis existencial – ya no le gustaba lo que hasta entonces había hecho – se incorpora a un grupo de reflexión filosófica y conoce a Rafael, su actual pareja.
Desde ese momento todo cambia para Irene. Mucho más segura de sí misma y de sus capacidades, y disfrutando de la creciente acogida que tiene su trabajo por parte del público, ahora centra su búsqueda en un nuevo tema: el equilibrio de la figura – femenina o masculina - en el espacio. En lo sucesivo, sus esculturas levitarán o penderán de alguna manera en un entorno espacial cuidadosamente concebido como vacío. A veces estructurado con una leve señal geométrica – un aro, por ejemplo – a veces sólo determinado por la característica misma del modelado.
Pero Irene es aún una novel escultora, que apenas comienza a experimentar las ingentes dificultades involucradas en el acto creativo. Dueña de certeras intuiciones tiene sin embargo ante sí el grave compromiso de hacerlas lenguaje personal (de pasar de la potencia al acto, Santo Tomás dixit). Una más refinada – o más intencionada si se quiere - comprensión visual de la figura humana, me atrevería a decir, es uno, tal vez el más importante, de los retos que deberá enfrentar en lo adelante. Condición para aliviar la tensión – nunca del todo resuelta en el proceso del arte – entre la idea y su concreción material.
Esta escultora tiene gran cantidad de obras sobre mujeres, a continuación algunas fotos de las mismas:

Abril al aire


                                      Valentina Mediana






lunes, 11 de abril de 2011

La Esperanza de la Macarena


Esta imagen guarda en su realización uno de los grandes enigmas de la historiografía artística de las Hermandades sevillanas pues, a la falta de documentación certera sobre su autoría se le suma la diversidad de atribuciones que ha recibido a lo largo del tiempo y por distintos estudiosos.
De una parte existe la tendencia generalizada a atribuir su talla a la escultora Luisa Roldán, La Roldana, en base a ciertos criterios estilísticos. De otra parte esta teoría no encuentra eco en la documentación de la época, al no hacer referencia alguna a la talla de esta imagen; una talla que por otros autores se cataloga con fecha anterior, sobre el año 1624, año en el que la Hermandad comienza a procesionar, apuntándose entonces a Juan de Mesa como su posible autor.
Sea como fuere, el autor de esta talla debió ser un artista consagrado en la técnica de la imaginería, pues supo plasmar en una cara y unas manos un halo de perfección que aún hoy sorprende. Su rostro es de una clara asimetría, pues no repite ningunos de sus elementos como el arqueamiento de las cejas, la comisura de los labios o el resalte de las mejillas, resultando de una expresión de singular efecto.
La imagen no sufre intervenciones documentadas hasta una época reciente. Así, el cada vez mayor oscurecimiento que presentaba una mancha en su mejilla izquierda hace que la Hermandad decida retirarla del culto en 1978 para una restauración generalizada, llevada a cabo bajo la dirección de Francisco Arquillo.
Los trabajos incluyeron la fijación de la mascarilla, el restañado de grietas y la limpieza y fijación de la policromía de la cara, además de otros referentes a las manos y al ensamblaje en el candelero.
Posteriormente, en marzo de 1981, Emilio Pizarro realizó una nueva restauración que consistió en arreglar el cuerpo de la Virgen, hacerle el maniquí y brazos, y restaurar pestañas, arreglar las lágrimas y retocar algunos desperfectos de la cara. 
                                          Palio de la Macarena                                           
Emilio Mora y Marisol Del Villar